青の精神 ── 無から有

佐々木宏子

　作品は作家自身であることは勿論ですが、その作家の行動や造形思考、思想を述べたもの等が全て一致している、しかも、それらは徹底して個人的であると同時に最も普遍的であること……。作家はそうあらねばならぬと思います。
　青のモノクロームの空間を追求して10 年、大学3 年の時に見たフォンタナの仕事に感動して、フォンタナのつきつめた空間、完璧な平面の美、しかしナイフでカンバスを切るという表現方法の即物的なヨーロッパの精神は日本人である私の体質の中には、どうしても見あたりませんでした。この時、私はフォンタナによって強く日本人である自分を意識させられました。有から無を感じるフォンタナと逆に無から有を感じる日本の精神を自分の絵に表現して行こうと決心しました。それ以来、今日迄、模索を続けて参りましたが、日本の美の哲学には素晴らしいものがあります。禅や能や茶道には日本独特の抽象の美があります。桂離宮の庭園や建築には写実の追求からリアリティをつかむヨーロッパの造形とは違った、精神的内面的追求からリアリティをつかむ造形美を感じます。表面的なものを取り入れたら却って本質的な、その精神的な美がそこなわれます。日本の伝統に多く接して、それらの中に内在する良いものに目を向け、しかも、それらに引きずられることなく、自分自身は現在に足をしっかり踏まえて、今を必死に生きることです。澄んだ心こそが精神の美をとらえます。
　芸術家の独自性は作家にとって、最も重要な問題です。この独自性は技術から得られるものでなく、真摯さを失わずに謙虚な気持を持って制作にたち向かう作家に与えられるものです。又独自性は時として作家を孤独に追いやることもありますが、さらに謙虚に内心に呼びかけることを怠らなければ、自信と勇気となってさらに独自性の飛躍となります。偉大な芸術家は皆、同じ道を歩んだと思います。絵の上だけでなく生きるということにおいても、自分に正直に生き、真実を求め、自分に対して不利益な場合でも、不屈の精神をもって、時には真実を表明しなければなりません。芸術を追求する人の生きる姿勢が重要だと思います。10 年間に自分の「青」をみつけました。3 年前「ブルーはうすくても、濃くてもブルーだ」その他の色はそうはいかないと言っているデュフィの言葉を知りました。卒業制作の半具象の群像に赤や他の色をかけたら駄目で、どうしても青でなければならないと思ったこと、その後何年も青一色でも何にも不自由さを感じないで今迄こられたことを合せ考えて、無意識のうちにそれを感じ青を選んだ時の気持が、その時鮮明に思い出されました。又5･6 年前「1 センチ四方の青より、5 センチ四方の青の方がより青を感じさせる」とヨーロッパの作家が言っていることを知りました。私が、小品よりも大きなカンバスに向かう時の自由さが何故なのかわかりました。青は無限の象徴でもあります。又私の考えでは青が深い精神を表わすのに一番適した色だということを確信します。
　愛着を覚える一つの形を見つけました。精神の拡がりと自由さとを私は獲得しました。
　流しの技法による、自分のマチエルをみつけました。それは精神の高さと緊張感とを私の絵に与えるものでした。これらを精一杯画面に叩きつけて、私の考える日本の造形美を追求しています。
　強さとか流行の形式を重んじて、あえて目だたせようとする意識が私の作画態度の内にまったくないのです。私自身が変わるのでなく、これでもかこれでもかと見る人を説得して行くことです。禅精神、幽玄、侘び寂とかの表現の場合、大衆をふるい立たせるだけに終わることは、まったく不成功であると言えると思います。ふるい立つ方向を誤ったら、それは粗野で粗暴になってしまうからです。方向を見失わないことが、もっとも大切です。それには、真実を探求し、人間愛とやさしさを求め、自己を追求することが必要です。今、それが一番必要な時だと思います。私はこのことを目ざしています。そしていつの時代にも必要な態度だと思うからです。
　私の考え方の中に芸術を自ら否定するという考え方はありません。この世に二次元がある限り平面芸術の存在は確かであると思います。私が表現するのは精神的無の世界です。4年前から無意識的な自然と意識的なものを同時に一枚の画面に表現してゆく、造形上の構造を追求しています。平面、立体、音楽の表現空間の次元を超えて、又国境、民族を超えて幾人かの作家が、同時に同じ次元に立って、このことを追求しています。そして、注目すべきことは、青の精神を追求してきた途上で、ごく自然にこのことに突き当ったことにあります。
　今日、純粋美術が生活空間から浮き上ってしまったことを、もっと真剣に考えなければならないと思います。今後も内的必然性の呼びかけを注意深く聞きながら且つ大胆に制作を進めて行くべきだと考えて居ります。

1975年9月24日
1977年、初個展カタログに青のあいだ作品群とマニフェストを発表
パブリックコレクション / Bibliotheque National de Paris CABINET DES ESTAMPES [1977]

Spirit of Blue ── U（有）from Mu（無）

Sasaki Hiroko

　It goes without saying that the work of art reflects the artist herself. The artist's actions, the thoughts which give form, her philosophy ─ they are all in accord. They are thoroughly personal and, at the same time, utterly universal... I believe an artist has to be thus.
　I have been pursuing the monochrome space of blue for ten years. During my third year in college, I saw the works of Fontana and was moved by his intense space and the perfect flat-surface beauty. But the materialistic spirit of Europe ─ represented by the cutting of the canvas with a knife ─ was a method of expression that I, as a Japanese, could not find in anyway present in myself. Fontana's works compelled me to reflect deeply on my identity as Japanese. I decided at that point that I would strive to express in my paintings the Japanese spirit, which realizes U from Mu, as opposed to Fontana's manifestation of Mu from U. Since then, to this day, I have continued in my explorations and have come to find wonderful things in the Japanese philosophy of beauty. In Zen（禅）, the Noh（能）drama , or the tea ceremony（茶道）, there is an abstract beauty particular to Japan. In the aerchitecture and garden of the Katsura Imperial Villa, I sense a formal beauty that tries to grasp reality from inner spiritual pursuits. This is far different from the Europian sense of form, which tries to capture reality from the pursuit of realism. What is essential and spiritual to beauty will be ruined once superficiality is introduced. One must rigrously engage the various aspects of the Japanese tradition, to discover the virtues ensconced within them, not to be dominated by them, but to stand on one's own feet and to live fully in the present. A pure mind is what captures spiritual beauty.
　The orginality of the artist is of utmost significancd. Originality is not something to be gotten from technique, but it is given to the artist who attends her work with a humble attitude without the loss sincerity. At times, this orginality may lead the artist to solitude, but as long as she remains humber and responds truly to her own internal calling, she will gain confidence and courage; and, in doing so, her originality will be enhanced. I believe all the great masters have rtod this road. Not only in painting, but also in life, one must be honest to oneself, pursue truth; and one must express the truth with a spirit of fortitude, though this may be to one's desadvantage. I believe this attitude towards life for the person who pusues art in important.
　In the past ten years, I have discovered a "blue" that is my own. Three yaers ago, I came across Raoul Dufy's word that "blue is blu, no matter how light or dark it may be," and that this is not the case with other colors. I remember the work of semi-concrete figures I did for my graduation, how ithad to be done in blue, not in red or any other color, and how I did not feel at all constrained in using just the color blue in all the yaers since. In those recollections, I an reminded anew of those moments and the feelings of having, all during this time, unconsciously chose the color blue. About five or six years ago, I cameacross the saying of an European artist that "one can appreciate the color bluebetter if it were a blue of 5 centimeter square than that of I centimeter square." With these words, I came to understand why I feel freer when working on a big canvas than a small one. Blue is a symbol of infinity. For me, it is a color that best manifests profound spiritual feelings. This I am certain, I have descovered a form to which I have become attached. I have acquired a sense of spiritual freedom and breadth. Through the technique of free-flow, I have my own matière. This, in turn, has invested my paintings with intensity and spiritual uplift. Hurling these with all my might to the canvas, I am in pursuit of a Japanese formal beauty that I have envisioned for myself.
　In my attitude towards painting, I am not at all concerned about giving priority to what prevails or what is fashionable formalistically. There are no pretensions to be flashy. I remain true to myself, and I intend to convince people with fortitude and patience. In the case of expressing the spirit of Zen （禅）, Yugen（ 幽玄─ profundity）, Wabi（侘び）or Sabi（寂）, if one's intentions were to only arouse the masses, then I believe such a work of art would end in complete failure. If those intentions to provoke were misdirected, vulgarity and violence will result. It is of utmost importance not to lose one sense of derection. One should aspire to the truth, seek out human love and kindness, and pursue one's true self. Now is the time when these are most needed. I am endeavoring to achieve this state of mind, an attirude that is important for any period.
　My thoughts about art do not negate the importance of art. As long as there are two dimensions in the world, I am sure the flat-surface arts will continue to exist. What I give expression to is the spiritual world of Mu. Four years have gone by since I started depicting unconscious nature and conscious objects both at once on the same canvas while pursuing formal structures. Going beyoud the dimensions of the expressive space of music, solid bodies and flat surfaces, transcending national boundaries and race, many artists are standing on the same plane in pursuit of this. And it should be noted that I came across this naturally while in pursuit of the spirit of blue.
　Now, I think one must reflect deeply on the crisis that the pure arts have come to be detached from the space of everyday life. I believe that I am determined, in my own daily life, to continue

── Catalogue of personal exhibition“Ao no Aida”1977 ──
Public Collection /Bibliotheque National de Paris CABINET DES ESTAMPES [1977]